Nel cuore pulsante di Roma, a Largo della Fontanella di Borghese, si apre uno spazio dove il blu non è solo un colore, ma un abbraccio che avvolge la città stessa. La galleria 21Art ospita le opere di Mario Ceroli, uno scultore che non passa inosservato nel panorama italiano contemporaneo. Appena entri, il blu intenso cattura lo sguardo e ti trasporta in un’atmosfera sospesa, quasi magica. Non è un caso che questo colore domini le sue creazioni: Ceroli ha radici profonde nella Capitale, dove è cresciuto e ha plasmato la sua arte, imprimendo in ogni pezzo il respiro di Roma.
Mario Ceroli e Roma: radici di un percorso artistico
Nato nel 1938 in provincia di Chieti, Ceroli si trasferisce a Roma nel 1948, a soli dieci anni. È qui che si forma e cresce artisticamente, immerso nella vivace scena culturale degli anni ’60, quando Roma diventa un polo di riferimento per l’arte contemporanea italiana. Frequentazioni importanti, come la Scuola di piazza del Popolo e la Galleria La Tartaruga, indirizzano il suo sguardo verso materiali semplici ma espressivi, come il legno.
Proprio il legno diventa il suo materiale prediletto fin dagli anni Cinquanta. Con esso Ceroli dà vita a forme levigate, suggestive, spesso lontane dal rigore classico della scultura tradizionale. La sua fama cresce, non solo in Italia ma anche all’estero, grazie a mostre riconosciute e al suo lavoro come scenografo dal 1968 in teatro, cinema e televisione.
Oggi il suo forte legame con Roma si traduce nella mostra “Mario Ceroli {IO}”, curata da Cesare Biasini Selvaggi. Il percorso espositivo mette in luce il rapporto tra l’artista e la città, mostrando come il paesaggio urbano e culturale di Roma abbia influenzato il suo linguaggio espressivo e come, allo stesso tempo, Ceroli abbia restituito in arte questa relazione.
Il blu di Ceroli: il colore che definisce lo spazio e le opere
Varcando la soglia della 21Art, il blu intenso delle opere colpisce subito. Si tratta di un pigmento particolare, una terra colorata proveniente dall’azienda dei fratelli Dolci di Verona, scelto da Ceroli per evocare il cielo romano. Questo blu si staglia in netto contrasto con le pareti bianchissime della galleria, facendo sembrare le sculture quasi sospese in un’atmosfera rarefatta ma potente.
Applicato sul legno, il pigmento cambia aspetto a seconda della luce e della forma. Opere come “Le campane di Trinità dei Monti” e “Le bighe” mostrano variazioni di tono e lucentezza che emergono solo osservandole da vicino, rendendo ogni pezzo vivo e dinamico. Il blu non è un semplice rivestimento: diventa un elemento che struttura lo spazio espositivo, un filo conduttore che unisce le opere in un insieme visivamente coerente.
Questa scelta cromatica costruisce una narrazione che richiama Roma nei suoi cieli, nelle architetture, nel senso di appartenenza dell’artista alla città.
Opere chiave e il dialogo con lo spazio
Tra le quindici opere in mostra, si alternano lavori recenti e pezzi che segnano tappe importanti della carriera di Ceroli. “Pensiero a Fabrizio De André”, ispirato a una chitarra donata dal cantautore all’artista, racconta un legame profondo e personale.
Lo spazio della galleria diventa parte integrante dell’opera. “Il ragno della Pisana”, con la sua struttura in legno, si apre nello spazio quasi a volersi staccare dalla parete, creando un effetto di rilievo e leggerezza.
Un pezzo unico è “Un anno d’amore”, completamente privo di colore, che si staglia con una luminosità metallica dietro le altre sculture. Nato nel 1972 in legno con 365 quadrati più un elemento per il titolo, oggi si presenta con 987 placche metalliche stencilate. Questa trasformazione riflette la volontà di Ceroli di aggiornare alcune sue installazioni, mantenendo vivo il dialogo con il passato.
“Le campane di Trinità dei Monti” offrono un impatto visivo imponente. Pensate nei minimi dettagli per lo spazio espositivo, richiamano la maestosità dell’originale. Il confronto tra la grandezza dell’opera e il volume raccolto della galleria crea una tensione che rende palpabile la presenza fisica e simbolica del lavoro.
Al centro della sala, “Labirinto” sprigiona una forza opposta, quasi concentrata verso l’interno. Ferro, legno e pigmento costruiscono un ambiente quasi impenetrabile, dove un manichino in legno – un autoritratto metaforico di Ceroli – è circondato da pali appuntiti. Questa struttura delimita lo spazio e impedisce di attraversarlo, costringendo lo spettatore a osservare da fuori e amplificando il significato simbolico dell’opera.
Lo spazio come palcoscenico, le sculture come protagoniste
Per Cesare Biasini Selvaggi, curatore della mostra, l’allestimento di Ceroli si avvicina a quello di un regista teatrale. Le sculture sono “attori” che interpretano ruoli diversi e si adattano a ogni nuovo allestimento. “Non c’è un ordine cronologico da seguire: il percorso è piuttosto un racconto circolare e allegorico, in cui ogni opera dialoga con le altre e con lo spazio.”
Il visitatore non è un semplice spettatore passivo, ma parte integrante dello spettacolo. Si muove nello stesso spazio delle opere, percependone dimensioni e forme in modo diretto e coinvolgente.
La posizione centrale di “Labirinto” e la pianta aperta della galleria favoriscono questa interazione. Non ci sono barriere, e il confine tra spazio espositivo e opera si fa sottile. La visita diventa così un’esperienza immersiva e quasi performativa, in cui ogni dettaglio contribuisce a raccontare la storia complessiva.
Il lavoro di Mario Ceroli alla 21Art conferma che la scultura può ancora dialogare con chi la guarda in modo vivo, attuale e profondamente legato al contesto urbano e culturale. La mostra resta aperta fino a febbraio 2027, un’occasione preziosa per scoprire da vicino il percorso di un grande maestro dell’arte contemporanea italiana.