A Milano, le sale di Palazzo Cicogna si preparano a ospitare un tesoro nascosto: il disegno antico italiano, dal Manierismo al Settecento, prende vita su carta fragile e preziosa. Dal prossimo 11 novembre, Dialoghi di carta svela quei segni che spesso restano dietro le quinte dell’arte, fogli intrisi di idee e gesti rapidi, ma decisivi. Fino al 31 gennaio 2027, si potrà entrare in un mondo dove il tratto non è solo bozza, ma dialogo vivo tra maestri lombardi e artisti d’altrove.
A curare la selezione, Francesco Ceretti ha scelto con cura un arco temporale vasto, mettendo a confronto scuole e stili diversi. Qui, il disegno emerge come un laboratorio a sé, uno spazio di sperimentazione e riflessione, dove la luce, il movimento e la composizione si studiano nella loro forma più pura e immediata. Un invito a scoprire l’arte italiana da una prospettiva inedita, fatta di segreti e intuizioni tratte direttamente dalla mano dell’artista.
Morazzone e la Maddalena: dal bozzetto al dipinto
Tra le opere più interessanti spicca lo Studio per Maria Maddalena di Pier Francesco Mazzucchelli, detto il Morazzone, risalente al 1610-1611. Il disegno, proveniente dalla collezione Dubini, racconta il cammino creativo che ha portato alla pala d’altare per la basilica di San Vittore a Varese. Il foglio mostra come l’artista costruisse la composizione con sfumature e correzioni, come dimostrano i due studi simili conservati a Berlino e Frederikssund.
Il segno è fluido e leggero, il chiaroscuro delicato, capace di bilanciare volume e leggerezza senza irrigidire la figura. Si tratta di un Morazzone ancora legato a una qualità spesso atmosferica, che solo più tardi darà spazio a un realismo più duro e concreto. Formatosi tra Lombardia e Roma, l’artista si rifà a modelli come Federico Zuccari e Federico Barocci, per poi sviluppare un linguaggio personale nella pittura sacra controriformata, capace di immagini forti e coinvolgenti. Il confronto tra studi e opera finita mostra quanto il disegno preliminare sia essenziale per definire il carattere sacro e drammatico del dipinto.
Tanzio da Varallo: il corpo che si muove
Antonio d’Enrico, detto Tanzio da Varallo, firma una serie di disegni che mettono in luce il dinamismo e la complessità del corpo umano. Nel suo Studio per angelo liutista, l’angelo è ritratto di profilo, con il corpo teso in una torsione studiata nel dettaglio. Le pieghe del panneggio si sviluppano in modo chiaro, creando un gioco di luci e ombre che dà profondità e volume. Questo disegno nasce per la Cappella dell’Angelo Custode nella basilica di San Gaudenzio a Novara ed è un chiaro esempio di come il disegno fosse usato per studiare lo spazio e l’anatomia.
Ancora più vivace è lo Studio per angelo in volo con angioletti, realizzato a sanguigna, che anticipa la scena degli Angeli in gloria nella chiesa di Santa Maria della Pace a Milano. Qui l’artista lascia intuire varie figure e ipotesi compositive, con un disegno aperto e ancora in divenire. Tanzio si rifà alla tradizione manierista lombarda ma introduce elementi presi dal naturalismo caravaggesco, incontrato durante i suoi viaggi a Roma e Napoli. Questa influenza si vede nei contrasti di luce, nella plasticità dei corpi e nell’intensità delle pose, tutti elementi ben visibili nei fogli in mostra.
Carlo Francesco Nuvolone: il disegno come scena teatrale
Carlo Francesco Nuvolone porta alla mostra opere che mostrano come il disegno potesse raccontare emozioni e storie come un vero e proprio spettacolo teatrale. Il disegno a sanguigna con Silvio, Dorinda e Linco si ispira al Pastor Fido di Giovan Battista Guarini e restituisce una scena carica di tensione: Dorinda ferita da una freccia viene soccorsa da Linco mentre Silvio osserva, partecipe dell’istante drammatico.
Un elemento interessante è la possibilità di confrontare disegno e pittura, perché nello stesso spazio è esposta anche la versione a olio del soggetto. Il disegno appare molto operativo: sul retro si notano studi di mani, teste e schiena, segno che Nuvolone progettava pose, luci e intensità emotiva prima di passare alla tela. Si tratta di un cartone a grandezza naturale, uno strumento formale con cui l’artista definiva la relazione tra luce, emozione e composizione, confermando il disegno come fase preparatoria ma anche come opera autonoma.
Francesco Guardi e la libertà del Settecento veneziano
Il percorso della mostra arriva fino al Settecento con uno studio preparatorio di Francesco Guardi, mai esposto prima, proveniente da una collezione privata. Si tratta di un disegno a penna acquerellata che rappresenta una burrasca marina con velieri, scogli e naufraghi. Il tratto è rapido, la resa luminosa incerta, segni che anticipano la libertà e la vivacità della tarda produzione di Guardi.
L’opera dialoga con una piccola tavoletta con lo stesso soggetto e ha un parallelo in un disegno conservato al Museo Correr di Venezia. Mentre nel lavoro veneziano Guardi si concentra sulla struttura, nel foglio lombardo usa l’acquerello per anticipare giochi di luce e atmosfera. L’immagine si allontana dal realismo puro, avvicinandosi a un capriccio dove la veduta si fa più emotiva, dominata dalla luce vibrante e dal movimento. Qui Guardi sembra ispirarsi a Marco Ricci, andando oltre la precisione geografica verso un paesaggio più libero e poetico.
Il disegno: strumento di dialogo e innovazione
La mostra milanese fa del disegno un vero e proprio laboratorio nel tempo, capace di raccontare le tappe dell’arte italiana tra Cinque, Seicento e Settecento. I fogli esposti hanno molteplici ruoli: studi per pale d’altare, prove di movimento e luce, cartoni a grandezza naturale e momenti di pura invenzione. Le opere mostrano come idee, modelli e influenze viaggiassero tra artisti lombardi e colleghi di altre regioni, tracciando un filo che va dal Manierismo al naturalismo caravaggesco fino al Settecento veneziano.
Un esempio concreto è il disegno di Pier Francesco Gianoli, a sanguigna e gessetto, della seconda metà del Seicento, che dialoga con le altre opere per mettere in luce continuità e trasformazioni di tecniche e stili. Dialoghi di carta si presenta così come una piattaforma per capire come il foglio, spesso visto come semplice preparazione, diventasse invece un terreno di sperimentazione autonomo. La mostra a Milano permette di leggere da vicino le molte facce del disegno: non solo una fase preliminare, ma un documento vivo e prezioso che svela dinamiche creative altrimenti nascoste.