Giulia Messina e la nuova ondata di pittura italiana: intervista esclusiva all’artista emergente

La pittura deve respirare, vivere, dice Giulia Messina, mentre osserva il suo ultimo lavoro. Nata a Milano nel ’98, questa giovane artista ha trovato un modo tutto suo per far dialogare la tradizione con la frenesia dei nostri tempi. Il suo segno, tracciato a pennarello, non si limita a riempire la tela: si espande, invade lo spazio, si fa racconto di fragilità e comunità. Le sue storie sono intime, ma parlano anche al gruppo, al mondo intorno a noi. Nel suo lavoro, ogni gesto si carica di pensiero, ogni tratto apre a una riflessione più ampia.

Disegno e pittura in scena: quando il tratto diventa azione

Giulia lavora su carta con pennarelli e inchiostro, disegnando immagini che si muovono dal grande al piccolo formato. Più vicino al disegno che alla pittura tradizionale, il suo metodo si sviluppa intorno a performance collettive: cene, feste a tema, momenti in cui osserva i comportamenti degli ospiti, come interagiscono con il cibo e gli oggetti, e come si sciolgono le inibizioni, dando spazio a una creatività spontanea.

Questi incontri lasciano tracce – parole, segni, resti – che diventano materia per i suoi lavori su carta. Qui si intrecciano emozioni e dinamiche psicologiche, con un doppio livello di lettura: l’immagine visiva e le scritte che agiscono da commento, quasi biografia o riflessione. Il risultato è un lavoro fragile, fatto di sovrapposizioni leggere, capace di raccontare la vulnerabilità umana.

Da classico a contemporaneo: il cammino di un’artista

Anche se non si definisce una pittrice tradizionale, Giulia ha alle spalle una formazione accademica che l’ha avvicinata alla statuaria antica. Questo legame con il passato si riflette nelle sue performance e pratiche espressive, dove antico e moderno si mescolano. Tra i suoi riferimenti spiccano i “Maschere Singolari” di James Ensor e le nature morte fiamminghe di Osias Beert.

Le sue ispirazioni contemporanee sono invece molto variegate: dal pittore Sin Wai Kin a Hermann Nitsch, dai fotografi Thomas Ruff alle performance di Michele Rizzo. Senza dimenticare artisti eclettici come Luigi Ontani e figure del video e suono come Dan Flavin e Carsten Höller. Da tutto questo nasce un linguaggio umano, viscerale, che oscilla tra realtà e astrazione.

Fragilità, relazioni e consumo: i temi al centro del lavoro

Nel suo lavoro, Giulia indaga la fragilità, sia personale che collettiva, e le relazioni di potere e gelosia che si creano nei gruppi. Vuole spingere chi guarda a “abbassare la guardia” di fronte a emozioni spesso nascoste o evitate. Allo stesso tempo mette in discussione il consumo quotidiano, raccontandone segni e conseguenze.

Molte opere nascono da riflessioni sull’obsolescenza programmata, rappresentata dalle bottiglie vuote raccolte durante le sue performance. Alcune scritte attorno ai dipinti chiedono quante bottiglie si svuotino ogni notte, sottolineando il contrasto tra spreco e bisogno di affetto sotto l’effetto dell’alcol. È un discorso sociale che si tinge di emozione, capace di rendere sorprendente anche l’ordinario.

Il presente che entra nel gesto creativo

Giulia sente forte l’influenza del mondo intorno a sé: la società, i rapporti personali, le chiacchiere quotidiane e i piccoli scontri. Descrive questo flusso come una matrioska, dove lei è solo un pezzetto inserito in un sistema molto più grande. Le conversazioni “a tavolino o al bar” sono il cuore da cui nasce il conflitto e la riflessione.

In questo scenario, l’arte diventa uno strumento per leggere i segnali delle relazioni e affrontare le sfide del tempo presente. Anche se vive nell’era digitale, evita l’uso di tecnologie o intelligenza artificiale. La sua collezione di oggetti d’epoca – dai DVD ai portasigarette dell’Ottocento – parla di un legame con il materiale, con l’analogico, che permea tutta la sua poetica.

Cinema, teatro e socialità: un’immaginazione in movimento

Il cinema ha un peso importante nelle sue performance e negli eventi che organizza. Cita autori come Peter Greenaway, Jean Cocteau e Fellini, oltre a musical cult come The Rocky Horror Picture Show. Queste forme d’arte sono per lei come la pittura: esperienze reali che si trasformano in qualcosa di surreale, quasi fiabesco.

L’intento è creare un distacco dalla realtà senza scadere in intellettualismi. Le sue cene performative ricostruiscono situazioni dove ogni elemento – cibo, colori, oggetti – è autentico e parte della storia raccontata. Così nasce una sinergia tra arti visive, suoni, gesti e convivialità, che dà vita a un’umanità intensa e condivisa, lontana da facili estetismi.

L’arte come punto d’incontro tra personale e collettivo

Per Giulia, l’arte è un’esperienza doppia: personale e collettiva. Le sue opere nascono da un dialogo interiore, un modo per elaborare emozioni e situazioni private, ma offrono anche spunti per chi guarda, che può ritrovare lì momenti di comunità, affetto e utopia.

Il lavoro prende forma da un progetto già chiaro nella mente dell’artista. La “pagina” non è mai vuota: è un campo aperto dove si sviluppano tutte le possibilità. Le feste e le cene diventano così installazioni curate nel minimo dettaglio, dalla scelta dei colori agli oggetti intorno. È questo ambiente che poi genera una serie di lavori coerenti.

Il processo si chiude solo quando la carta è piena di segni. Giulia rifiuta l’“horror vacui” ma traccia senza sosta, saturando lo spazio con un disegno libero che conserva la spontaneità e scarta modelli precostituiti.

Pittura oggi: una scelta naturale e un mezzo di espressione

Per Giulia la pittura non è una scelta casuale, ma ciò che le viene più naturale e dà soddisfazione. Non sempre è una decisione consapevole, ma il pennarello e l’inchiostro su carta sono per lei strumenti familiari e fertili.

Parlando della sua esperienza in grandi mostre, come Ensemble a New York, sottolinea quanto conti il contesto e la varietà di sguardi che un’opera può incontrare. Ognuno, con la propria storia e il momento che vive, si confronta in modo unico con il lavoro. Il valore dell’opera, dice, non dipende dalla cornice espositiva ma dalla forza e dall’intenzione del gesto originario.

L’esperienza di vivere in una metropoli come New York contribuisce a creare quel senso di pluralità culturale che rispecchia la diversità del pubblico e dell’arte stessa. In questo scenario, il lavoro di Giulia Messina emerge come una voce sincera e fluida, capace di far riscoprire una pittura che racconta il presente.