Addio a Yayoi Kusama, icona dei pois e delle Infinity Mirror Rooms: morta a 97 anni a Tokyo

Tokyo, 14 agosto 2026. Yayoi Kusama, icona indiscussa dell’arte contemporanea, si spegne a 97 anni. Fino all’ultimo, il suo pennello non ha mai smesso di muoversi, tracciando una carriera lunga oltre settant’anni. La notizia, arrivata in ritardo il 27 agosto attraverso il Yayoi Kusama Museum, ha lasciato un vuoto profondo. Nessuna spiegazione ufficiale sulle cause, ma quel che resta è un’eredità potente: pois, specchi infiniti e installazioni che hanno sfidato i confini della percezione e dell’identità, trasformando la sua arte in un canto senza fine, un abbraccio all’infinito e all’amore.

Dall’infanzia tormentata alle ossessioni che hanno fatto la sua arte

Yayoi Kusama nacque il 22 marzo 1929 a Matsumoto, nella prefettura di Nagano. Fin da piccola, il suo sguardo sul mondo fu attraversato da visioni intense: fiori, pois, reticoli che si moltiplicavano fino a saturare la sua vista, dissolvendo i confini tra sé e l’ambiente. Quegli stessi motivi, oggi famosi, sono diventati la base della sua poetica, declinati in forme ripetitive e ossessive. Dietro c’è un’idea che Kusama chiamava “self-obliteration”, ovvero l’annullamento del sé nell’infinito. Un modo per affrontare angoscia e desiderio di sparire, dando vita a immagini capaci di superare ogni barriera fisica e mentale. I suoi pois sono diventati così simbolo di un viaggio di liberazione e introspezione iniziato in gioventù.

L’assalto a New York e le prime grandi tele degli anni ’50

Dopo una formazione tradizionale nella pittura nihonga a Kyoto, Kusama cercò qualcosa di più aperto e moderno, puntando dritta verso gli Stati Uniti. Fu grazie anche a una corrispondenza con Georgia O’Keeffe, che le consigliò di trasferirsi, che alla fine degli anni Cinquanta Kusama arrivò a New York. In una scena dominata da uomini e da correnti come l’astrattismo espressionista e il minimalismo, lei diede vita agli Infinity Nets: grandi tele coperte da minuscoli segni ripetuti all’infinito. Qui il gesto dell’artista si perdeva nell’accumulo, negando l’individualità e spingendo verso un’immersione totale nell’opera. Kusama non si fece incasellare, mescolando astrazione, erotismo e critica sociale in uno stile tutto suo, a cavallo tra minimalismo, Pop Art e performance.

Anni ’60: quando l’arte invade la vita e la protesta

Negli anni Sessanta, Kusama uscì dalla tela per portare la sua arte negli oggetti di tutti i giorni e negli spazi abitativi. Le sue Accumulations trasformavano mobili e oggetti comuni in corpi coperti da forme ripetute, spesso a sfondo sessuale. I pois si diffusero sui corpi e negli ambienti con happening e performance pubbliche. Non era solo un gioco estetico, ma un gesto politico: Kusama usò la sua arte per protestare contro la guerra in Vietnam e contro i rigidi costumi americani dell’epoca. Le sue azioni coinvolgevano il suo corpo e quello del pubblico, cancellando la separazione tra individuo e spazio, con i pois come elemento che univa e dissolveva. Così ridefiniva il confine tra arte e vita, trasformando ogni performance in un momento collettivo di critica e sperimentazione.

Venezia 1966: Narcissus Garden e la sfida al sistema dell’arte

Nel 1966 Kusama fece parlare di sé alla Biennale di Venezia con un gesto fuori dagli schemi: senza invito, allestì centinaia di sfere specchiate nel Padiglione Italia. La sua installazione, Narcissus Garden, rifletteva sul narcisismo, sul valore commerciale dell’arte e sulla moltiplicazione dell’immagine. Provò anche a vendere quegli oggetti ai visitatori, mettendo in discussione il mercato e il ruolo dello spettatore. Quasi trent’anni dopo, nel 1993, tornò ufficialmente alla Biennale come rappresentante del Giappone, confermando la sua affermazione definitiva nel mondo dell’arte. Questo episodio riassume tutta la sua capacità di sfidare le gerarchie e portare al pubblico un messaggio che intreccia critica sociale e riflessione esistenziale.

Infinity Mirror Rooms: un viaggio nell’infinito tra luci e riflessi

Dalla fine degli anni Sessanta in poi, Kusama diede vita a quello che sarebbe diventato il suo marchio di fabbrica: le Infinity Mirror Rooms. Stanze interamente specchiate, con luci e oggetti replicati all’infinito, creano ambienti che sembrano senza confini. Chi entra si perde in un gioco di moltiplicazioni visive, dove il senso di sé si dissolve in uno spazio fatto di presenza e sparizione contemporanee. Queste installazioni sono diventate celebri in tutto il mondo, ma nascono da un bisogno profondo: esprimere la paura e il desiderio di sparire nel tutto, incarnando la “self-obliteration” a cui Kusama ha dedicato la vita. Da quando nel 1977 si era ritirata in una clinica psichiatrica di Tokyo, ha continuato a lavorare con costanza, mantenendo intatta la sua intensità creativa.

Le zucche diventano icone pop e l’arte entra nella cultura di massa

Negli anni Novanta, Kusama conquistò il grande pubblico. Le sue zucche, che l’accompagnavano fin dall’infanzia, diventarono protagoniste delle sue installazioni e delle collezioni internazionali. Le sue opere a pois e forme organiche invasero musei e spazi pubblici, attirando sempre più visitatori. Contemporaneamente, Kusama entrò nel mondo della moda, collaborando con brand come Louis Vuitton dal 2012, portando i suoi motivi nel grande circuito commerciale. Divenne un’icona a sua volta, riconoscibile grazie alla parrucca rossa e agli abiti a pois. Un percorso che ha unito arte e mercato, ma che ha rischiato di mettere in secondo piano la profondità dei suoi temi originali: percezione, angoscia e identità.

Il punto come simbolo eterno: l’eredità di Kusama tra individuo e universo

Il punto, piccolo e ripetuto all’infinito, è stato per Kusama il simbolo della tensione tra l’individuo e l’universo. Ogni segno, moltiplicato fino a creare trame complesse o ambienti senza fine, rompeva le barriere tra pieno e vuoto, presenza e assenza. Gli specchi delle sue stanze moltiplicavano corpo e mente, dando vita a un’esperienza capace di unire vertigine e meditazione. Kusama ha attraversato decenni con una visione radicale, partendo dal Giappone del dopoguerra fino alla New York delle avanguardie, intrecciando politica, sessualità ed estetica. La sua vita, segnata da un impegno artistico costante e da una scelta di vita in clinica senza mai abbandonare la creazione, si chiude ora lasciando un’eredità che continua a interrogare e affascinare il mondo dell’arte contemporanea.

Le istituzioni che portano il suo nome hanno assicurato che la sua opera andrà avanti. La mostra “KUSAMA’s POP” resterà aperta fino al 30 agosto 2026 al Yayoi Kusama Museum di Tokyo, un ultimo omaggio a una donna che non ha mai posato il pennello.