La pittura è viva, dice Giuseppe Matera, ventiquattrenne di Acquaviva delle Fonti, mentre sfiora con delicatezza una tela ancora umida di colore. Mentre molti sostengono che quest’arte sia ormai superata, lui e altri giovani artisti italiani dimostrano il contrario, ridando fiato a un linguaggio che sembra rigenerarsi ogni giorno. Non si tratta più di ripetere ritratti o nature morte, ma di intrecciare storie che parlano di digitale, cultura contemporanea e inquietudini attuali. Matera crea mondi sospesi tra memoria e realtà aliena, giocando con forme organiche e materiali biologici, trasformando la pittura in un’esperienza che va oltre l’immagine: una pelle del mondo da toccare, tessuti nervosi e simboli che raccontano il nostro tempo.
Il percorso di Matera verso la pittura ha radici insolite. Tutto nasce dall’amore per gli anime giapponesi, con la loro fantasia sfrenata, che lo ha spinto verso il linguaggio più antico della pittura a olio. Da bambino passava ore a disegnare personaggi e mondi inventati, molto prima di approcciarsi consapevolmente alla pittura. L’incontro con artisti come Giorgio de Chirico e Salvador Dalí, avvenuto alle scuole medie, ha acceso la scintilla per una ricerca che poi si è allargata ai maestri barocchi fiamminghi e alle nature morte di Chardin o Manet. A questa miscela si aggiungono riferimenti alla pittura orientale antica e ai maestri contemporanei come Anselm Kiefer o Wayne Thiebaud, segno di una mente curiosa che attraversa epoche e stili con profonda attenzione.
Per Matera la pittura è un gioco tra passato e presente. Le sue opere trasformano la realtà esterna filtrandola attraverso la propria interiorità. Spesso ciò che ci circonda passa inosservato, e con la sua arte prova a restituire visibilità a dettagli sfuggenti o a temi sociali importanti, come la questione alimentare o l’identità culturale italiana. La sua attenzione si posa su alimenti ricchi di carboidrati, scelti come simboli di appartenenza ma anche come spunti per riflettere sul ruolo moderno del cibo e delle abitudini. Le sue tele si caricano così di un’aura simbolica, a tratti grottesca e inquietante, offrendo una visione stratificata della realtà contemporanea.
La tecnica tradizionale, soprattutto l’olio, è al centro del lavoro di Matera. La materia pittorica diventa protagonista: spessori calibrati con cura suggeriscono senza mai dominare la pennellata, creando profondità e atmosfera. A volte si aggiungono fusaggine e gesso in polvere, per trovare un equilibrio tra tecnica e resa finale. Colore e composizione giocano un ruolo fondamentale: strutturano lo spazio dove si muovono le immagini, caricate di tensioni e ambiguità emotiva. La pittura si fa così non solo mezzo espressivo, ma vero motore di significato e impatto.
Nel lavoro di Matera il presente si fa sentire, anche se in modo sottile. Le tensioni politiche attuali non sono in primo piano, ma emergono concetti più sottili come il contrasto tra attrazione e repulsione, o la lotta per sopravvivere nella società di oggi. L’alimentazione diventa una metafora di un sistema dove ciò che è familiare può nascondere insidie, mettendo in luce la complessità dell’identità collettiva e personale. Il suo lavoro offre così uno sguardo critico e al tempo stesso poetico, invitando chi osserva a riflettere sul proprio ruolo e sulla percezione del mondo.
Pur prediligendo la pittura a olio, Matera non esclude le nuove tecnologie. A volte si affida a strumenti digitali o all’intelligenza artificiale per stimolare idee o nuovi punti di vista, pur consapevole dei limiti. L’uso di fotografie, anche ingrandite con microscopi digitali, e la ricerca di immagini online fanno parte della sua esplorazione, mostrando dettagli invisibili a occhio nudo e traducendoli in forme pittoriche. Musica, letteratura – soprattutto filosofie orientali e testi esoterici – e cinema sono influenze laterali ma importanti, capaci di creare atmosfere che guidano il lavoro concettuale e visivo.
La tensione tra individuo e collettività attraversa tutto il percorso di Matera. L’esperienza personale, spesso vista come qualcosa di privato, diventa invece il riflesso di memorie e reazioni diffuse nella società. Nei suoi lavori cerca di bilanciare queste due dimensioni, scegliendo soggetti che risuonano a livello collettivo e osservando le proprie risposte intime agli stessi stimoli. Questo gioco conferisce alle sue opere una profondità che va oltre la superficie, lasciando spazio a interpretazioni multiple e spesso ambigue.
L’inizio di un dipinto è per Matera il momento più delicato e importante. Una buona partenza è fondamentale per mantenere il giusto slancio e guidare tutto il lavoro. Decide di chiudere un’opera quando non sente più il bisogno o il desiderio di intervenire, ma lascia passare un po’ di tempo per rivedere la tela con occhi freschi. Questo distacco gli dà la lucidità per capire se il dipinto mantiene la forza iniziale o se serve qualche ritocco. La chiusura, insomma, non è mai definitiva: un’opera resta sempre aperta a nuove riscritture o approfondimenti.
Nonostante negli anni si sia detto che la pittura è superata o obsoleta, Matera continua a sceglierla per le sue qualità uniche. La sensualità della materia e la possibilità di stratificare significati la rendono ancora oggi un mezzo privilegiato per raccontare anche la realtà più attuale. La pittura, definita “mezzo travestito da fine”, offre distorsioni della realtà che lasciano spazio a molte interpretazioni, confermandosi un linguaggio potente e affascinante. Il suo lavoro si inserisce in un movimento più ampio di giovani artisti che guardano al passato senza perdere il legame con il presente.
Presentare le proprie opere in una mostra collettiva porta con sé nuove domande. Per Matera, una grande esposizione può creare un “filo rosso” tra lavori diversi, favorendo confronti spontanei e nuove letture. Allo stesso tempo, alternare momenti di contaminazione e di isolamento ha i suoi vantaggi per far emergere dettagli e significati specifici. I soggetti delle sue tele riflettono, quasi senza volerlo, proprio l’idea di gruppo e collettività. La speranza è che chi osserva riesca a immergersi in un silenzio attento, rompendo le barriere della mente per lasciarsi attraversare dalle sensazioni che ogni opera comunica senza filtri.
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