Quando la moda si misura con il futuro, Copenaghen e Berlino si giocano la partita più interessante. La capitale danese, che ha appena spento venti candeline, scommette tutto sulla sostenibilità e sull’innovazione concreta, non solo parole di circostanza. Berlino, invece, da sempre laboratorio creativo e terreno di sperimentazioni, si reinventa puntando sulla narrazione e sull’attenzione ai dettagli. Due città, due visioni diverse, ma una domanda comune: cosa significa oggi organizzare una fashion week, in un tempo in cui i modelli tradizionali sembrano scricchiolare sotto il peso delle nuove esigenze?
Copenaghen: vent’anni di moda sostenibile e design nordico
La Copenhagen Fashion Week ha costruito la sua forza più sul metodo che sul look. Dal 2020 ha imposto requisiti minimi di sostenibilità per chi vuole sfilare, un sistema severo che ha attirato l’attenzione del New York Times e di Vogue Business, diventando un modello per altre città europee. Per il ventennale, nel gennaio 2026, ha alzato ancora l’asticella con criteri ancora più rigidi, i più severi mai adottati da una fashion week ufficiale.
Il sistema è molto centralizzato: un board sceglie tra quaranta e cinquanta brand e c’è un programma chiamato NEWTALENT che dà spazio ai nuovi creativi. L’immagine della settimana è ben definita: minimalismo nordico, abiti gender-fluid e solo materiali certificati o riciclati.
Tra i nomi più noti spicca Stine Goya, che dal 2006 porta colore in una moda scandinava spesso troppo sobria. Nel suo studio vicino al Palazzo Reale di Copenaghen, lavora con palette vivaci ispirate alla città, conquistando pubblico e critica a livello internazionale.
Henrik Vibskov, diplomato alla Central Saint Martins nel 2001, è un esempio di designer che va oltre la moda. Il suo lavoro spazia tra installazioni, scenografie e performance in musei come il MoMA di New York e il Palais de Tokyo di Parigi. La sua presenza dimostra che in un sistema rigoroso c’è ancora spazio per una moda che è arte a tutto tondo.
Tra gli ospiti internazionali c’è Institution, brand di Tbilisi, special guest di quest’anno. Galib Gassanoff, il fondatore, usa materiali naturali e deadstock per creare pezzi unici, mescolando la tradizione tessile azera con tecniche artigianali che impiegano lacci delle scarpe al posto della lana, salvando così saperi artigianali a rischio di sparizione.
La Royal Danish Academy, la principale accademia scandinava per architettura, design e conservazione, partecipa con show di laurea che coinvolgono quindici giovani creativi di nove nazionalità diverse. I temi sono sostenibilità, diversità e identità, segno di un impegno forte nel preparare la moda di domani.
Berlino: una fashion week sparpagliata tra curatori indipendenti e sperimentazioni narrative
Berlino resta un punto di riferimento per la creatività, rilanciandosi nel 2026 con un calendario estivo ricco e variegato. Circa cinquanta eventi tra sfilate, presentazioni, mostre e incontri si sono svolti in spazi diversi, dal vecchio aeroporto di Tempelhof al Kronprinzenpalais, passando per palestre riconvertite. Non c’è un solo luogo o uno stile dominante: il pubblico si muove liberamente tra le proposte.
Il Fashion Council Germany ha fatto più da facilitatore che da selezionatore, aiutato da agenzie come RAUM.Berlin e lo showroom Hotel Zoo, sostenendo i giovani talenti. Il risultato è una settimana della moda che si presenta come una rete di curatele indipendenti, senza omogeneità estetica.
Tra gli appuntamenti più importanti, Der Berliner Salon, curato da Christiane Arp e Marcus Kurz alla Grande Orangerie di Charlottenburg, ha messo in dialogo design contemporaneo e architettura storica, esplorando il rapporto tra spazio e moda. INTERVENTION VI di Reference Studios ha presentato “MUSEUM + eBay Archetypes” di Shayne Oliver, un archivio innovativo basato su capi vintage comprati online. L’opera interpreta la moda come memoria e bene da collezione, inserendola più nell’arte contemporanea che nel prêt-à-porter tradizionale.
La fashion week berlinese ha mostrato anche un forte impegno su temi sociali e politici. Il designer Barragán ha presentato la sua collezione all’Ambasciata del Messico a Berlino, riflettendo su identità e migrazione. Buzigahill ha ripreso codici estetici e politici dell’Africa post-coloniale, con il fondatore Bobby Kolade che ha spiegato personalmente il valore storico dello show.
Altri creativi, come Esther Perbandt e Taskin Goec, hanno inserito l’intelligenza artificiale nel processo creativo, ma non come un semplice gadget, bensì come parte integrante del linguaggio artistico. Berlino punta su una moda che prima di tutto è discorso culturale e politico, più che prodotto.
Il brand GmbH, ormai pilastro della scena berlinese, ha confermato la sua leadership con un approccio che unisce tecnica sartoriale e riflessione sociale. Fruché, di Lagos, ha conquistato pubblico e critica con una collezione che celebra l’artigianato africano e la tradizione tessile. Tra le nuove promesse spicca Marie-Luise Müller, che lavora con materiali naturali e tecniche manuali sostenibili.
Lo spirito della fashion week di Berlino si vede anche fuori dalle passerelle ufficiali, nelle strade e nei quartieri. Qui lo street style diventa racconto collettivo di identità, creatività e appartenenza, non solo vetrina per i brand. Il fotografo italiano Luciano Doria, che vive a Berlino, ha colto questo aspetto con sensibilità. Il suo sguardo va oltre la moda e racconta le storie delle persone attraverso il modo in cui si vestono, trasformando la street style photography in una vera indagine sociale e culturale.
Per questo lavoro, Doria ha vinto la Berlin Fashion Week SS27 Streetstyle Photography Competition, una gara ufficiale organizzata dal Fashion Council Germany e da SICKY Magazine. Questo premio lo renderà fotografo ufficiale della prossima edizione berlinese, confermando la forza di uno sguardo indipendente nel raccontare l’evoluzione vera della moda di oggi.